

 O fim da Arte

 e a Dissolução dos Ideais Revolucionários

 Paula Mateus

 Em After the End of Art Arthur C. Danto defende que a arte ou pelo menos um

 certo tipo de arte chegou ao fim .
 A ideia não é nova .
 É o próprio Danto quem

 nos informa que entende por " fim da arte " exactamente o mesmo que Hegel já

 havia anunciado há mais de um século .

 Pela designação que tem , a tese do fim da arte pode levar-nos a pensar que

 Danto e Hegel descrevem um momento a partir do qual não se fazem obras de arte ,

 uma espécie de mundo em que os artistas deixam de existir ou de ter algum papel

 a desempenhar .
 Obviamente , uma tese deste género seria afastada com rapidez ,

 caso os seus autores tivessem a pretensão de a aplicar quer ao passado quer ao

 presente , pois a experiência poderia mostrar que tanto hoje como no tempo de

 Hegel continuam e existir artistas que produzem obras de arte , e muitas destas

 continuam a produzir efeitos nas vidas das pessoas que as conhecem .

 O fim da arte não é o fim das obras de arte de quadros , de esculturas , de

 música ou de literatura .
 É sim o fim de um tipo de arte que pode ser

 compreendido pela história da arte , uma história que agrupa estilos , relaciona

 movimentos , explica obras particulares , e sobretudo , parece mostrar uma linha

 quase contínua de evolução e progresso artístico .
 O que morreu não foi a arte ,

 mas sim a possibilidade de explicar a arte através de manifestos e narrativas .

 Os artistas depois do fim da história comprometem-se mais com a liberdade de

 escolher qualquer estilo ou tipo de arte , do que com os compromissos dos

 manifestos .
 Produzem aquilo que querem , como querem , quando querem .
 E por isto

 deixa de poder dizer-se como as obras têm de ser .
 Podem até ser indiscerníveis

 dos objectos do quotidiano .
 A arte que assume estas possibilidades torna-se

 auto-consciente , filosófica .
 Numa palavra poderíamos dizer que os artistas do

 fim da arte não deixam de fazer arte , deixam de fazer história .
 Quanto a isto ,

 Danto nada acrescenta a Hegel .

 Mas para Danto o fim da história não aconteceu com o romantismo , como supunha

 Hegel , nem Shakespeare é o autor das obras em que a arte se torna

 auto-consciente .
 O fim da arte aconteceu nos anos sessenta , com a arte Pop , e

 Andy Warhol é talvez um dos seus maiores mentores .

 Para que um acontecimento nos pareça um fim é indispensável perceber o que está

 antes dele e como a sua presença marca de facto uma diferença .
 Para isso , e

 antes de explorarmos o tema do fim da arte , procuraremos entender o que existe

 antes dele , na época das narrativas , no curso da história da arte .

 Narrativas e Manifestos

 A era da arte não tem início quando se começam a produzir obras de arte , ou

 pelo menos aquilo a que hoje chamamos obras de arte , mas sim quando certos

 objectos começam a ser pensados em termos estéticos .
 E também não acaba quando

 deixam de existir obras de arte , mas sim quando a produção das mesmas deixa de

 ser coerente e quando essa falta de coerência é consciente e assumida .
 Entre o

 princípio e o fim da arte conta-se uma história , a história da arte que

 primeiro foi mimética e depois foi moderna .
 Danto acredita terem existido duas

 grandes narrativas da arte , dois grandes discursos acerca do que a arte é e do

 que deve ser , a saber , o de Giorgio Vasari , no sec. XVI e o de Clement

 Greenberg no sec. XX .
 Nas palavras de ambos encontra Danto bons exemplos de

 como foi possível tornar compreensível em poucas palavras a arte de vários

 séculos , mostrando em que consiste a essência da mesma e como esta pode ser

 realizada .
 É de Greenberg que Danto mais se serve para mostrar o que é uma

 narrativa e como ela deixou de fazer sentido para a arte dos nossos dias .

 Clement Greenberg é conhecido por todos como um dos grandes teorizadores do

 modernismo , mais propriamente da pintura modernista .
 Não é Greenberg o primeiro

 modernista , mas é quem nos oferece uma teorização do modernismo que nos permite

 compreender como a arte evoluiu até chegar ao modernismo e como deve ser a arte

 a partir dele .
 Uma aproximação teórica como a de Greenberg permite compreender

 tanto o passado como o presente e o futuro da arte .
 Faz com que ela tenha uma

 história , uma coerência , um percurso .
 Segundo Greenberg a pintura deve mostrar

 os limites e os meios da própria pintura .
 As influências de Kant em Greenberg

 são claras : tal como a razão se auto-analisou nas Críticas kantianas ,

 concluindo que a razão prática deve ser pura , também a pintura alcança a

 perfeição quando se auto-reflecte , quando serve para nos mostrar o que é a

 própria pintura , quais os seus recursos e os seus instrumentos .
 A pintura , tal

 como a razão , deve tornar-se pura , prescindindo de todos os caracteres das

 outras artes .
 Não entendamos que a pintura deve tornar-se obrigatoriamente

 abstracta ; a arte modernista como Greenberg a entende pode continuar a ser

 figurativa , mas terá de prescindir do tipo de espaço em que se moviam as

 figuras da pintura mimética , porque este é o espaço próprio da escultura .
 O

 expressionismo abstracto com nomes como Jackson Pollock , M. Gorky , Rothko ,

 Frankenthaler e Dubuffet e posteriormente a pintura do campo de cor ( Frank

 Stella e Paul Jenkins ) são a materialização clara do que Greenberg julgava

 dever ser a pintura .

 [ INLINE ]

 Uma pintura de Jackson Pollock tornava visível tudo o que Kant havia pensado

 acerca da beleza .
 Com ele o público pode ter uma intuição da imaginação

 criativa à qual não pode ser dado qualquer conceito .
 A forma e só a forma da

 pintura , o modo como a tinta se liberta em direcção à tela e esta a recebe ,

 pode provocar um prazer desinteressado , comunicável e universalmente

 necessário .
 No juízo de gosto , diz Kant , devem suspender-se a moralidade , as

 considerações sobre a utilidade do objecto e as expectativas de vantagens

 pessoais .
 O respeito de Greenberg pelas palavras de Kant é tal que chega por

 vezes a atingir momentos caricaturais .
 Para cumprir o que o mestre havia dito

 sobre o juízo de gosto , Greenberg costumava utilizar uma técnica curiosa para

 fazer a apreciação de obras de arte : deslocava-se ao atelier de jovens pintores

 e pedia que nada lhe fosse mostrado até estar pronto , voltava-se de costas e de

 repente gritava : " Hit me !
 " , momento em o quadro lhe era mostrado como que de

 surpresa .
 A apreciação resultante desse momento sui generis deveria tornar-se

 em juízo universal , servindo geralmente de trampolim para a fama aos jovens

 pintores .

 As considerações que Greenberg tece sobre a natureza da arte estabelecem um

 critério claro para aquilo que deve ser a arte , mas permitem também traçar um

 percurso mais ou menos contínuo na história da arte a partir dos

 impressionistas .
 Com Cézanne as formas representadas aproximam-se das formas da

 tela e com Manet , por exemplo , torna-se claro que as cores saíram de dentro de

 boiões de tinta .
 A partir daí os princípios da arte modernista desenvolvem-se

 das mais variadas maneiras , deste os expressionistas , como Gauguin , passando

 por Picasso , pelo suprematismo de Malevich e pelo neo-plasticismo de Mondrian .

 No entanto , não deve entender-se que os museus de arte moderna se transformaram

 em exposições de quadrados pretos e rectângulos vermelhos , ou de mulheres

 bicudas e animais coloridos .
 Algo mais radical aconteceu com o modernismo .
 Dado

 que a forma , e não o conteúdo , passou a ser o objecto da arte , o critério para

 identificar uma obra como modernista passou também a ser , naturalmente , um

 certo tratamento " geometrizado " da forma , uma exploração radical das

 potencialidades e dos instrumentos de cada tipo de arte , e uma especial atenção

 à cor .
 Assim , muitas obras feitas antes do aparecimento do modernismo

 tornaram-se modernistas , nomeadamente o artesanato das chamadas culturas

 primitivas que até aí se encontrava nos museus de Etnologia .
 Segundo esta

 perspectiva , o modernismo parece ter as suas raízes no passado , onde podemos

 procurar a sua história .

 De vez em quando surgem algumas pedras no sapato do modernismo visto por

 Greenberg .
 O Surrealismo foi uma delas .
 O conteúdo , e não a forma , preocupam o

 surrealismo .
 É recuperada a representação do espaço tridimensional em que as

 figuras desfilam .
 Obviamente , o surrealismo não é um regresso à arte narrada

 por Vasari , porque a imitação da realidade exterior não é o seu objectivo .
 Mas

 se não é nem realismo nem modernismo , que poderá ser ?
 Segundo Greenberg , o

 Surrealismo é algo que está fora do rumo da história , uma manifestação marginal

 que em nada contribui para o progresso da arte .

 Repare-se que este tipo de exclusão é típico de qualquer narrativa que institua

 um critério para definir a essência da arte .
 Os impressionistas já tinham sido

 alvo de algo muito parecido , quando foram apelidados de loucos , pela

 apresentação de uma arte que saía fora dos limites da história ( out of the pale

 of history ) .
 Sair destes limites é apenas fazer um tipo de arte que não pode

 ser compreendida à luz das teorias históricas vigentes .
 Quando um conjunto de

 obras parece sair dos limites da história , a primeira coisa que há a fazer é

 tentar interpretá-lo segundo os parâmetros estabelecidos .
 Foi o que aconteceu ,

 por exemplo , com as obras mais polémicas de Duchamp .
 Depois do choque inicial ,

 foi fácil interpretá-las como tentativas do autor de pôr em destaque as

 propriedades formais ( as linhas , as cores , as formas , as texturas ) de objectos

 do quotidiano .
 O que inicialmente foi um protesto contra a arte do modernismo ,

 tal como é vista por Greenberg , transformou-se em mais um exemplo do mesmo tipo

 de arte .
 Quando não é possível fazer este tipo de reintegração , o veredicto é

 um só : alguns tipos de arte são menores , impuros , desprezíveis , e talvez até

 indignos do nome " arte " , visto que a essência da arte não se encontra neles .

 Os princípios a que obedece a narrativa de Greenberg , que é de certa forma um

 manifesto da pintura modernista , são comuns a outras narrativas do século XX ,

 mesmo aquelas que são excluídas dos limites da arte traçados por Greenberg .
 É o

 caso da arte regulada pelo manifesto Dada , pelos manifestos do Surrealismo , do

 Futurismo , e outros .
 Todos eles obedecem à estrutura quase canónica do

 manifesto comunista : aqueles que estão connosco estão no caminho certo e

 encontrarão a essência do homem , a verdade , aqueles que não nos seguem são

 aberrações da história que ela própria se encarregará de eliminar .

 Danto atribui a Giorgio Vasari ( 1511-1574 ) a narrativa que antecedeu o

 modernismo .
 Também esta tem uma estrutura semelhante às já descritas .
 Esta

 narrativa entende a arte como imitação da realidade e o seu progresso como a

 realização de obras de arte cada vez mais próximas da realidade .
 O início da

 utilização da perspectiva representou um importante passo nesta direcção .

 Apesar de Vasari não conhecer a arte que se fez em grande parte do século

 dezanove , por exemplo , não quer dizer que a sua narrativa não se lhe aplique ,

 dado que , como já foi dito , uma narrativa é um plano daquilo que foi e daquilo

 que deve ser a arte , é uma história que se conta acerca do modo como a arte

 deve desenvolver a sua essência .
 Esta narrativa termina apenas quando a arte

 deixa de ser feita segundo os princípios delineados por ela , quando aquilo que

 parecia ser a essência da arte passa a ser entendido apenas como um aspecto

 contingente .
 E quando termina uma narrativa é fácil colocar outra no seu lugar ,

 mostrando que a história da arte foi contada até aí de uma maneira incorrecta e

 " desfocada " .

 A arte Pop e o princípio do fim

 [ INLINE ]

 Segundo Danto , a era pós-histórica inicia-se nos anos sessenta com a

 aparecimento da arte Pop .
 Os artistas começam , então , a interessar-se pelos

 objectos do quotidiano e a trazê-los para dentro das próprias obras .
 O exemplo

 que mais marcou Danto foi Brillo Box de Andy Warhol .
 Apesar de ser feito de

 madeira e não de cartão , Brillo Box poderia facilmente confundir-se com as

 caixas de cartão onde vinham as embalagens de detergente , as caixas " reais " .

 Mas a obra é tão real quanto a caixa de detergente , é um objecto eventualmente

 indiscernível do original .
 O impacto que Brillo Box causou em Danto foi tal que

 a questão da indiscernibilidade de idênticos na arte inspirou grande parte da

 sua obra , nomeadamente o seu artigo mais influente , " The Artworld " .

 Não bastará , no entanto , esta característica de grande parte da arte Pop para

 nos fazer perceber que pode ter esta a ver com o fim da arte .
 Aliás , Duchamp

 havia já trazido os objectos mais comuns para dentro da própria arte e nem por

 isso Danto considera que o fim da arte se inicia aí .
 Há que notar que , entre as

 obras de Duchamp e as obras da arte Pop , parece existir uma diferença

 importante : enquanto que A Fonte de Duchamp se apresenta claramente como um

 desafio , ou até um protesto , Brillo Box não é um protesto e se calhar nem

 sequer é um desafio .
 Os artistas da arte Pop estão reconciliados com o que está

 à sua volta e provavelmente nem sequer estão muito interessados em destruir

 seja o que for .
 Não deve entender-se daqui que não existe qualquer tipo de

 rebeldia na produção destas obras .
 É óbvio que existe , mas talvez ela seja mais

 uma afirmação do que um protesto .
 É a liberdade que inspira estas obras , é o

 desejo de poder fazer da arte um palco para a diversidade das pessoas e das

 suas experiências .
 Os artistas amam a civilização que conhecem e o lugar comum

 ( Commonplace ) .
 Não são anti-modernos , mas sim pós-modernos .
 A reconciliação que

 se realiza entre o artista e aquilo que o rodeia verifica-se também entre o

 artista e os vários tipos de arte .
 Este deixa de ser exclusivamente pintor ,

 escultor ou escritor para poder ser todas estas coisas , mesmo que o seja

 simultaneamente .
 Andy Warhol , por exemplo , conseguiu uma boa aproximação ao

 ideal de reconciliação marxista , em que o homem pode pescar de manhã , guardar o

 gado à tarde e escrever crítica à noite .
 E talvez este tenha sido o primeiro

 momento em que os artistas venceram a dilaceração kantiana entre natureza e

 razão .
 Talvez este bem-estar tenha sido um dos golpes mais profundos na vida do

 modernismo .
 A revolução total tornou-se desnecessária porque os seus objectivos

 foram alcançados com naturalidade ou pelo menos com a naturalidade possível do

 Flower Power .

 Com a arte Pop as obras tornam-se impuras ( no sentido da narrativa de

 Greenberg ) : misturam-se estilos e tipos de arte , cores , formas e materiais .
 A

 arte sai da sua redoma : as pinturas deixam de aparecer só em quadros , a

 escultura faz-se de gesso , de plástico ou até de lixo , as misérias tornam-se

 estéticas .
 A desordem instala-se .
 Tudo é permitido .
 A proliferação de estilos

 revela a inexistência de um critério para distinguir a arte do que não é arte .

 Deixa de ser possível ensinar o que é a arte através da exemplificação porque

 deixam de existir traços comuns entre as obras .
 A partir daqui só a filosofia

 pode tentar mostrar-nos qual a essência da arte e que significa o momento em

 que ela se encontra .

 Deve notar-se que Danto assinala uma diferença entre os conceitos de

 pós-modernismo e de era pós-histórica .
 O pós-modernismo pode , a limite ,

 identificar-se com um estilo , ou uma corrente artística , caracterizada pelo

 carácter heterogéneo das obras , pela repulsa pelos princípios da lógica mais

 comum , e pela deliberada espontaneidade , se é que uma espontaneidade deliberada

 pode ser espontaneidade .
 Estas obras pertencem obviamente ao momento

 pós-histórico , mas não o esgotam .
 É perfeitamente possível que continuem a

 existir pinturas realistas ou tipicamente modernistas na era pós-histórica , só

 que estas não terão nem exclusividade nem maioria .
 Na era pós-histórica as

 obras não têm de ser desta ou daquela maneira ; não há limites e por isso não há

 exclusões .
 Nada fica de fora dos limites da história , porque a história não tem

 limites .

 Isto não significa que todas as obras , consideradas individualmente , tenham o

 mesmo valor .
 O que acontece é que a qualidade deixa de ser uma questão de

 estilos para passar a ser uma questão de obras .
 A crítica de arte continua , por

 isso , a fazer sentido mesmo depois da era pós-histórica .

 A propósito da crítica de arte Danto parece revelar por vezes alguma

 ingenuidade .
 Diz-nos como se fosse óbvio que o papel do crítico é entender o

 significado da obra e seu modo de apresentação .
 Ora , saber qual o significado

 de uma obra é exactamente uma das coisas mais difíceis de conseguir no que diz

 respeito à arte .
 Em " The Artworld " Danto dá-nos , de facto , indicações sobre o

 modo como isto pode ser feito :

 " Sem a teoria provavelmente não o veríamos [ Brillo Box ] como arte , e de forma a

 podermos vê-lo como parte do mundo da arte , deveremos ter tido contacto com uma

 grande quantidade de teoria artística e de história recente da pintura de Nova

 Iorque .
 Não poderia ter sido arte há cinquenta anos atrás. [ ...
 ] O mundo tem de

 estar preparado para certas coisas e o mesmo acontece com o mundo da arte .
 É o

 papel das teorias artísticas , agora e sempre , tornar o mundo da arte , e a arte ,

 possíveis. " ( " The Artworld " , The Journal of Philosophy , LXI , 1964 )

 Em After The End Of Art , mostra através de um exemplo os princípios gerais da

 crítica já indicados :

 " Primeiro o quadro funciona por si mesmo .
 Ele é vermelho .
 É quadrado e não

 muito grande .
 Está colocado convenientemente à altura dos olhos numa parede com

 bastante espaço livre à sua volta. [ ...
 ] O objecto está pendurado na parede

 como se fosse uma pintura .
 De facto ele está pintado , ele é uma pintura .
 Que

 tipo de referências faz como pintura ?
 [ ...
 ] o suporte de madeira vem da

 Renascença , [ ...
 ] a superfície colorida de uma só cor pertence à tradição da

 pintura monocromática , a forma quadrada é neutra e moderna , o tamanho é humano ,

 não sendo nem grande nem pequeno , a única pintura é um exemplar do trabalho do

 artista. " ( Robert Nickas e Xavier Douroux , Red , Brussels : Galerie Isy

 Brachot , 1990 , citado em After the End of Art , p. 168 )

 O que Danto quer exactamente dizer quando indica o papel do crítico tornar-se-á

 um pouco mais claro adiante , quando considerarmos o que é a essência da arte .

 Todavia , não nos será dito como o crítico avalia , de facto , as obras

 particulares .
 Quando se refere à crítica , Danto parece esquecer que é também a

 função do crítico atribuir um valor a cada obra , e não apenas mostrar as

 relações que estas podem ter com a arte já existente , o seu conteúdo ou o seu

 modo de apresentação .
 É compreensível que o faça , uma vez que a tese do fim da

 arte implica a inexistência de critérios específicos de avaliação , como

 existiam com o modernismo ou com a arte mimética .
 Mas como crítico e como

 filósofo não seria de esperar que o fizesse ...

 O Fim da Arte

 Uma das teses mais difíceis e enigmáticas acerca do fim da arte é a da

 afirmação da natureza filosófica das obras da era pós-histórica. Diz-se que

 elas se tornam auto-conscientes .
 Mas esta auto-consciência não poderá

 significar que a arte se torna objecto para si mesma , tal como acontece com a

 pintura modernista ( destinada a mostrar o que é a pintura ) porque esta é uma

 característica da arte modernista .
 Se significa que a arte serve para fazer

 pensar acerca da própria arte e da sua natureza , teremos de saber em que se

 distingue uma obra de arte de um texto filosófico .

 A ideia de um desenvolvimento tripartido que culmina num momento de

 auto-consciência é claramente hegeliana .
 O Espírito reconhece-se nesse momento

 e percebe as suas manifestações , a sua história , torna-se consciente de si

 mesmo quando entende que todos os seus momentos são necessários e que a sua

 essência histórica chegou agora a bom termo .
 O momento pós-histórico da arte é

 comparável à realização do Espírito Absoluto .
 A arte sabe agora qual é a sua

 essência , compreende a sua história e percebe que todos os " estádios de

 evolução " foram necessários .
 Não há nada de problemático nos momentos

 anteriores da história da arte porque também eles manifestam a essência da

 arte .
 Com o fim da arte chega também ao fim qualquer revolução , porque as

 revoluções justificam-se enquanto meios para atingir a plenitude que , neste

 momento , foi já atingida .
 Tal como Hegel se julga o profeta do fim da história ,

 Danto apresenta-se em After the End of Art como aquele cuja clarividência

 permitiu anunciar o fim da arte , tornando a arte consciente de si mesma .

 O que é exactamente a essência da arte , é algo difícil de perceber nas palavras

 de Danto .
 A Fonte e Brillo Box não provam que não exista uma essência na arte ,

 provam sim que aqueles que até agora tentaram dizer o que ela é estavam

 errados .
 Para Danto , a essência da arte é histórica e Hegel foi o único que a

 compreendeu .
 Segundo Hegel a apreciação das obras de arte deve fazer-se

 atendendo a dois aspectos já aqui mencionados : 1 ) O conteúdo da arte , 2 ) o meio

 da apresentação .
 Do modo como ambos se relacionam resulta a própria obra .
 Se um

 dado conteúdo for apresentado de duas maneiras teremos duas obras e não uma .
 Se

 um artista nos quiser dizer alguma coisa acerca da contingência da existência

 humana , por exemplo , poderá fazê-lo através do drama ou da comédia .
 Mas a

 escolha de um ou de outro condicionará também a mensagem a transmitir .
 Podemos

 entender até que um conteúdo específico requer o meio de apresentação adequado

 a ele , que as coisas que um artista quer dizer só podem ser ditas de uma certa

 maneira , recorrendo a um certo meio de apresentação .
 Só na conjugação dos dois

 existe propriamente a obra .
 Danto aceita que estas duas condições não são

 conjuntamente suficientes para termos uma obra de arte .
 A definição de arte só

 parcialmente deve ser feita a partir delas .
 No entanto , se retomarmos o que

 Danto nos diz em " The Artworld " poderemos perceber um pouco melhor o que é a

 essência da arte .

 De acordo com o estado da arte num determinado momento histórico , algumas obras

 são possíveis enquanto que outras são impossíveis .
 Por estado da arte

 entende-se o conhecimento da história da arte que têm as pessoas que usualmente

 se relacionam com as obras , bem como o conjunto de teorias estéticas que estas

 dominam .
 Reconhecer um objecto como obra de arte será , torná-lo possível à luz

 destes dois elementos .
 Um objecto só se torna uma obra de arte quando o

 contexto o permite .

 É exactamente este contexto que determina a maneira como se relacionam o

 conteúdo da obra e o modo de apresentação .
 Em qualquer momento histórico os

 artistas têm coisas a dizer que , obviamente se relacionam com o modo como vivem

 o seu momento histórico .
 No entanto , nem todos os modos de apresentação ( aliás ,

 como nem todos os conteúdos ) estão disponíveis à partida .
 Eles surgem na

 história e passam a fazer parte do mundo da arte , tal como Danto o entende , a

 partir do momento em que podem ser entendidos à luz da história da arte e das

 teorias estéticas disponíveis .
 Veja-se , por exemplo , o que aconteceu com os

 impressionistas .
 O modo de apresentação que propunham era o único que se

 adequava ao que queriam dizer .
 Se o dissessem de outro modo ele seria alterado .

 Embora o mundo da arte não estivesse preparado para reconhecer as obras dos

 impressionistas como arte , em breve se criaram os instrumentos para o fazer .
 À

 medida que as obras se tornavam mais familiares , foi possível entendê-las como

 uma continuação do esforço de representação há muito iniciado , trazendo também

 agora para a arte alguma referência à percepção humana .
 As obras dos

 impressionistas passam assim a fazer parte do mundo da arte .

 Poder-se-á concluir , então , que ser historicamente determinada é a essência da

 arte .
 O erro de Greenberg , tal como o de todos aqueles que identificaram um

 estilo determinado com a essência da arte , foi o de não perceberem que aquela

 era a arte necessária num momento específico da história e não a arte

 necessária em si .
 O que parecia uma necessidade era , afinal uma contingência .

 Parece ser exactamente isto o que Hegel tem em mente quando nos explica a arte

 simbólica ou a arte clássica como momentos transitórios mas indispensáveis ao

 desenvolvimento , a caminho da consciencialização da arte com o Romantismo .

 No momento pós-histórico , a arte torna-se consciente porque os artistas

 perceberam já que uma obra é um conteúdo veiculado por um modo de apresentação .

 Ambos são historicamente determinados .
 A conjugação dos dois só resultará numa

 obra de arte quando o mundo da arte a reconhecer como tal .
 Os artistas podem

 perceber a história da arte como uma sucessão de manifestações da sua essência ,

 e ao fazê-lo realizam a compreensão num todo daquilo que o entendimento

 percebia anteriormente como contraditório .
 O fim da história é também o fim da

 arte .
 O Espírito auto-reconheceu-se nas suas manifestações finitas .

 Uma das características do momento pós-histórico , que deriva exactamente dessa

 auto-consciencialização da arte , é a proliferação de estilos .
 Os artistas têm

 hoje ao seu dispor mais meios de apresentação do que nunca , e através deles

 pode veicular-se um número infinitamente maior de mensagens .
 Reconhecendo que

 não há " o modo como a arte tem de ser " , os artistas fazem dela o que querem .

 Todavia , a arte também é hoje o que o mundo da arte e o momento histórico

 permitem que ela seja .
 A diferença é que estes permitem muito mais do que

 anteriormente , porque perceberam a essência da arte .

 A possibilidade de usar os estilos dos períodos históricos anteriores , não

 equivale a dizer que eles têm a mesma função que tinham quando surgiram .
 Um

 modo de apresentação serve um determinado conteúdo , adequa-se a ele , mas não a

 outros .
 Podemos desenhar como os homens das cavernas ou criar música barroca ,

 mas não nos podemos relacionar com eles como se vivêssemos no momento histórico

 em que surgiram .
 Isso não inviabiliza que os possamos incluir em obras

 contemporâneas , caso esta inclusão nos permita construir um modo de

 apresentação que mais convém ao conteúdo que queremos transmitir .
 De certa

 forma , talvez possamos concluir que a proliferação de modos de apresentação

 sensíveis serve a emancipação do conteúdo , tal como ela se verifica , segundo

 Hegel , do simbolismo até ao romantismo .
 A arte conceptual seria , assim , uma das

 expressões mais filosóficas da arte , um momento em que a arte se apresenta em

 conceitos e já não em formas sensíveis .
 A auto-consciencialização e a essência

 estariam então realizadas e nada de novo poderia existir no futuro que não

 fosse o cumprimento desta essência e desta auto consciência .

 As Dificuldades de After the End Of Art

 Uma das questões que foi deixada por explicar em After the End of Art foi a de

 saber o que é exactamente esse conteúdo que os artistas transmitem e o modo

 como lhe podemos aceder .
 Ele não poderá ser exclusivamente de natureza

 histórica , dado que se calhar nem todas as obras espelham o seu tempo , a vida

 do artista ou o que o artista pensa dela .
 Seria fácil encontrar obras que tanto

 poderiam pertencer a um século como a outro , a um artista como a outro .
 Se

 Hegel nos diz que é o Espírito que se manifesta na história na arte , na

 religião e na filosofia já Danto não é claro quanto ao que se manifesta nas

 obras de arte .
 Talvez Danto esteja a pensar na " Arte " ( um conceito parecido com

 o de Espírito ) que se manifesta nas obras finitas , dado que estas parecem ser o

 meio pelo qual uma outra coisa se revela , mesmo que esta outra coisa também

 sejam elas próprias ( tal como os povos manifestam o Espírito e são o Espírito ,

 mas não esgotam o Espírito ) .
 Mas isto certamente não é claro .

 Se pretendermos , como sugere Danto , encontrar o conteúdo das obras recorrendo

 ao mundo da arte , ou seja às informações da história da arte e às teorias

 estéticas , estaremos a comprometer-nos com uma arte para minorias , uma arte

 apenas acessível aos conhecedores de arte , e completamente estranha ao público

 pouco informado .
 Contudo , o século XX parece ter sido aquele em que a arte

 desceu à rua e se tornou acessível às massas .
 Certamente , e apesar de ser um

 objecto do quotidiano , Brillo Box não faz parte das obras que a maioria das

 pessoas está disposta a aceitar como arte , mas parece inequívoco que hoje o

 público da arte é bem mais vasto do que anteriormente e que o estatuto de obra

 de arte é reconhecido hoje a uma maior diversidade de obras .
 Dever-se-á este

 facto à proliferação de estilos ?
 Terão as massas sido informadas em matéria de

 história da arte ?
 No que respeita às teorias estéticas não me parece que o

 tenham sido ...
 Que aconteceu à arte ou que aconteceu ao público para que esta

 mudança se tenha verificado ?

 A definição de arte proposta por Danto terá todos os problemas das definições

 " externalistas " da arte .
 Fica por explicar por que dois críticos com

 exactamente as mesmas informações acerca da história da arte e das teorias

 estéticas podem destacar aspectos diferentes numa mesma obra , ou mesmo

 avaliá-la de maneiras radicalmente distintas , tendo ela sempre as mesmas

 propriedades formais .
 Em resumo podemos dizer que a questão da interpretação se

 coloca não só para o público em geral , mas também para o público especializado

 que são os críticos .
 A sua posição é ambígua em After the End of Art .
 Se os

 críticos têm de reconhecer um objecto como uma obra de arte , poderemos

 facilmente imaginar que por vezes façam um esforço pouco honesto para que uma

 obra do seu interesse seja reconhecida como tal .
 Por outro lado , não é também

 absurdo supor que existam obras já realizadas que nenhum crítico ainda teve

 oportunidade de apreciar e reconhecer .
 Não serão estas já obras de arte ?
 Parece

 um pouco " injusto " ou inapropriado que uma obra não possa ser reconhecida como

 tal apenas porque no mundo da arte não existem estruturas para isso , passando

 muitas vezes a sê-lo apenas porque um crítico assim o decide ...

 Para além disso , a função daqueles que conhecem o mundo da arte ( que não são

 apenas os críticos ) levanta problemas de linguagem .
 Que poder têm as palavras

 daqueles que instituem um objecto como uma obra de arte ?
 Que relação se

 estabelece entre alguém que reconhece um objecto como obra de arte e um público

 que aceita esse reconhecimento ?
 Ou seja , que tipo de aceitação implícita

 esperam os críticos quando transformam um objecto numa obra de arte , apenas com

 as suas palavras ?

 Quando lemos After The End Of Art , não podemos deixar de ter a sensação de uma

 certa localização das palavras de Danto .
 A arte que mudou foi arte feita em

 Nova Iorque depois dos anos sessenta .
 Serão as obras que Danto caracteriza como

 as obras livres da era pós-histórica reveladoras do estado geral da arte ?

 Poderemos concluir a partir delas uma transformação global na arte ?
 Poderemos

 aceitar o fim da arte , como Danto o expõe ?
 Não será o estado da arte actual

 revelador da prosperidade económica que se verifica na Europa e Estados Unidos

 nas últimas décadas ?
 Se esta prosperidade regredir , se por qualquer outro

 motivo os artistas voltarem a sentir a dilaceração ( provocada , por exemplo ,

 pelo aumento excessivo do consumo ) não voltará a arte a ser revolucionária ?
 Se

 podemos aceitar estas possibilidades é porque o fim da arte não é assim tão

 óbvio , ou pelo menos tão necessário quanto Danto sugere ...

 Talvez a maior dificuldade de After The End of Art seja a possibilidade de

 entender a tese do fim da arte como mais uma narrativa , com aspectos muito

 semelhantes aos das narrativas anteriores : a arte é explicada a partir de uma

 suposta essência que se desenrola ao longo da história , atinge um fim ou ponto

 de realização máxima e do seu percurso algumas manifestações são excluídas ,

 porque ficam fora dos limites da história .
 No caso da narrativa de Danto ,

 ficariam fora dos limites da história todas as obras que depois dos anos

 sessenta fossem realizadas sem que os artistas tivessem conhecimento da

 essência da arte , e obviamente todas as que não fossem reconhecidas pelo mundo

 da arte .
 Mas se a tese do " fim da arte " for mais uma narrativa , então a arte

 pode não ter chegado ao fim ...

 _________________________________________________________________

 BIBLIOGRAFIA

 Cooper , D. , ( ed ). , A Companion to Aesthetics , Oxford , Blackwell Publishers Inc ,

 1997

 Danto , A. , After the End of Art , Contemporary Art and the Pale of History ,

 Princeton , Princeton University Press , 1997 .

 Danto , A. , " The Artworld " , in Margolis , J. , ( ed ) , Philosophy LooKs at the Arts ,

 Philadelphia , Temple University Press , 1987 , pp. 155-167 ( primeira publicação

 em The Journal of Philosophy , LXI , 1964 )

 Greenberg , C. , " Modernist Painting " , in Harrison C. , e Wood , P. , Art in Theory ,

 1900-1990 , Oxford , Blackwell Publishers Inc , 1996 , pp. 754-760 ( primeira

 publicação em Forum Lectures , Washington DC , 1960. )

 Janson , H. , História da Arte , trad. de J. Ferreira de Almeida e M. Santos ,

 Lisboa , Fundação Calouste Gulbenkian , 1992 .

 contato biblioteca discussões digressões ensaios os rubaiyat

 contos textos poemas conexões fórum bate-papo

 Sorry , your browser doesn't support Java ( tm ) .

